HISTORIA

LITERATURA
PINTORES
CANTANTES
EVENTOS
LENGUAS
AGENDA
 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

HISTORIA
LITERATURA
PINTORES
CANTANTES
EVENTOS
LENGUAS
AGENDA
 

CONTACTOS

 

Efrain Morales-Oaxaca

Homenaje a los Muralistas de Los Angeles

 

Muestra-Homenaje del 90 Aniversario de Luis Nishizawa
imágenes extraídas de la naturaleza y captadas con profundidad y misticismo en las cuales se fusionan los orígenes orientales del Maestro y la visión poderosa de un territorio que, sin duda, le pertenece
.

 

Courtesy of the SHCP

 

 

Maestro Muralista Raúl Anguiano
1915-2006

Luís Arturo Guevara


Maestro Muralista Raúl Anguiano Born February 26-1915 in Guadalajara,Jalisco Died January 13 2006, in Mexico City. Maestro Anguiano was a Mexican critical realist painter, draftsman, muralist, and engraver, as well as a member of the second generation of the so-called “Mexican School of Painting,” along with Juan O’ Gorman Judit Gutierrez, Jorge Gonzalez Camarena, Jose Chavez Morado, Alfredo Zalce, Jesus Guerrero Galvan, and Julio Castellanos.
In the Unites States. Mexican Artist, Luís Arturo Guevara, among others.Anguiano’s work dealt with and reflected issues that affected Mexico and its people. His way of thinking was eclectic and anti sectarian, as reflected in his artistic expression.

 

Los Guerreros de Bonampak


La juventud y energía del Maestro Anguiano hacía que los pintores más jóvenes que él nos sintiéramos más viejos de lo que somos, pues cuando el Maestro se ponía a pintar por 12 horas, no eran suficientes.
La pintura de los guerreros de Bonampak es una de las obras que hice después de que el maestro me pidiera que buscara mas información de los mayas y los Aztecas par tener mas variedad de figuras en sus murales, pero me dijo tu no puedes copiar o pintar lo que yo pinto.Salí a buscar información de nuestros antepasados visite museos libros galerías pero no veía lo que yo quería enseñarle al Maestro Anguiano y decidí viajar al mismo centro de lo que hoy es la ciudad México. (Tenochtitlan) Imperio Azteca, pero algo me hacia falta el material no estaba completo entonces viaje a Honduras, Guatemala, Belice, Toda la península de Quintana Roo en otras palabras me empape de nuestras raíces Mayas y Aztecas entonces estuve satisfecho y regrese a Estados Unidos El maestro Anguiano me pregunto donde estabas y le dije andaba buscando el material para los murales y me respondió si pero tanto tiempo? Con una sonrisa le respondí es que Honduras, Guatemala, Belice y casi todo México se lleva mucho tiempo recorrer todo ese territorio, el Maestro se quedo callado y me pregunto deberá recorriste todos esos países me volví a reír y le dije si maestro, entones fue que comprendí el mensaje que el maestro me había querido decir, Y que era el que yo encontrara mis propias raíces, la lección fue contundente y fue entonces que hice mi primera pintura de nuestros ancestros la (Raza Azteca).


Mientras el maestro Anguiano pintaba uno de sus murales yo pintaba Los Guerreros De Bonampak y me preguntaba como va la pintura Guevara ? bien le decía finalmente la termine la enmarque y decidí que era tiempo que el Maestro la viera, la observo por varios minutos en supose que acostumbraba para estudiar alguna cosa y finalmente me dijo quiero que me dejes ponerla en uno de mis murales, a lo que yo respondí, Maestro lo que yo pinto usted no lo puede copiar o pintar, su reacción fue soltar una carcajada y me dijo Guevara tu aprendes muy rápido.


En el Maestro podíamos ver la visión que él tenia de las cosas y nos ponía a trabajar con la mente, para poder deducir el mensaje que él quería enviar en sus pinturas.
El Maestro nació en Guadalajara, México, en 1916 en el pleno apogeo de la Revolución Mexicana. De acuerdo con el Maestro, su padre fue capturado por los Zapatitas, y estuvo a punto de ser fusilado. Antes pidió un último deseo que era tomarse una botella de coñac con Zapata, lo que le salvó la vida.
Sus cuatro Maestros fueron, Orozco, Rivera, Siqueiros y Tamayo, quienes tuvieron una gran influencia en sus pinturas y murales.
El tema favorito del Maestro eran Los Mayas y Los Aztecas, los cuales plasmaba en la mayoría de sus murales. También le gustaba pintar la miseria, la represión y la marginación, las prostitutas y el mundo urbano y la farándula, como todos los artistas del tiempo de Picasso.


El Maestro no únicamente era pintor, también incursionó en la escultura, la cerámica, el grabado y la serigrafía. Le gustaba dibujar a los pintores y amigos; hacer retratos era su tema favorito.
El Maestro Raúl Anguiano dejó inconcluso un mural que estaba programado para el Instituto Politécnico Nacional en la ciudad de México. Me platicaba que lo terminaría en menos de un mes, siempre con un entusiasmo de pintor nato.
Gracias al Maestro Anguiano esta muestra de Los Mayas y Aztecas es una serie que sigue creciendo conforme pasa el tiempo. El legado que nos han dejado a todos nosotros los Maestros que ya pasaron a mejor vida, Orozco, Rivera, Siqueiros, Tamayo, y ahora el Maestro Raúl Anguiano, es único y nos toca más que nunca seguir su ejemplo.


Pintor Mexicano Luís Arturo Guevara
(949)636 2750
E mail guevarasart@yahoo.com

 

Curtesy by:
Katrina Carl, Gerente de Relaciones Públicas
kcarl@sbma.net

EXPOSICIÓN INTERNACIONAL DE OBRAS DEL
RECONOCIDO ARTISTA MEXICANO RUFINO TAMAYO
EN EL SANTA BARBARA MUSEUM OF ART
Tamayo reinterpretado (del 17 de febrero al 27 de mayo de 2007) es la exposición de mayor magnitud que se lleva a cabo en Estados Unidos. en décadas, dedicada a explorar la obra de uno de los artistas más importantes del siglo XX.

INTERNATIONAL EXHIBITION OF WORKS
BY WORLD-RENOWNED ARTIST RUFINO TAMAYO
DEBUTS AT THE SANTA BARBARA MUSEUM OF ART
Tamayo: A Modern Icon Reinterpreted (February 17 – May 27, 2007) is the largest U.S. exhibition in decades to explore the work of one of the most important artists of the 20th century.

 

SANTA BÁRBARA, California – La primera gran exposición que se realiza en Estados Unidos en 28 años sobre la obra del aclamado artista mexicano Rufino Tamayo (1899-1991), la presentación se llevo acabo del 17 de febrero al 27 de mayo de 2007 en el Santa Barbara Museum of Art (SBMA). Esta muestra internacional itinerante destaca espectaculares pinturas provenientes de colecciones privadas e institucionales, incluyendo lienzos que por décadas no fueron expuestos al público. Al término de su exhibición en el recinto del organizador principal, el SBMA, Tamayo reinterpretado viajará al Miami Art Museum y, posteriormente, al Museo Tamayo Arte Contemporáneo, en la Ciudad de México.

 

SANTA BARBARA, CA - The first major U.S. exhibition in 28 years of the works of acclaimed Mexican artist Rufino Tamayo (1899-1991), Tamayo: A Modern Icon Reinterpreted made its worldwide debut at the Santa Barbara Museum of Art (SBMA), Santa Barbara, Calif., February 17 through May 27, 2007. The internationally traveling exhibition featured spectacular paintings from private and institutional collections all over the world, including canvases that have not been on public view for decades. Following its presentation at SBMA, its lead organizer, Tamayo: A Modern Icon Reinterpreted will travel to the Miami Art Museum and then to the Museo Tamayo Arte Contemporáneo in Mexico City.
Esta extraordinaria exposición de más de 100 pinturas –creadas en el curso de una prolífica carrera que abarcó diez décadas en la Ciudad de México, Nueva York y París– tiene por objeto no sólo presentar una cuidadosa selección de las mejores obras de Tamayo, sino también ofrecer una reinterpretación contemporánea de este artista de renombre mundial. Tamayo es un símbolo del arte moderno mexicano. Denominado “el cuarto grande”, fue investido en el “salón de la fama nacional” al lado de los tres grandes del muralismo mexicano: José Clemente Orozco, Diego Rivera y David Alfaro Sequeiro. En todas partes, sus excepcionales pinturas evocan imágenes conocidas de México: sus colores, texturas y siglos de cultura indígena e híbrida, quizás representados en su aspecto más pintoresco y estereotipado, por los mercados tradicionales del país, rebosantes de flores exóticas, frutas tropicales y arte popular indígena. La exuberancia de los lienzos característicos de Tamayo estimula esas imágenes y, como resultado, lo han marcado de manera indeleble como formalista: un pintor interesado principalmente en la pureza de la línea, forma y color. Si bien se le ha contextualizado entre los tres grandes, repetidas veces ha sido considerado como un contrapunto discordante de éstos, cuya ambición era el Realismo Social, en el que la estética emanaba de la política. La visión persistente de Tamayo como ardiente defensor del formalismo, o arte puro, ha impedido una apreciación más plena del artista y su pintura. Tamayo reinterpretado se propone presentar nuevas perspectivas de este ampliamente reconocido y respetado, aunque también controvertido pintor.

The extraordinary exhibition of more than 100 paintings—created during a prolific seven decade career in Mexico City, New York, and Paris—seeks not only to present a careful selection of Tamayo’s finest works, but also to offer a contemporary reinterpretation of this world-renowned artist. An icon of modern Mexican art, Tamayo was called the “The Fourth Great One” and was inducted into Mexico’s “national pantheon” alongside Los Tres Grandes (The Three Great Ones) of Mexican Muralism, José Clemente Orozco, Diego Rivera, and David Alfaro Siqueiros. Far and wide, his extraordinary paintings conjure familiar images of Mexico, its colors, textures, and centuries of indigenous and hybrid culture, perhaps most picturesquely, and stereotypically, epitomized by the country’s traditional marketplaces brimming with exotic flowers, tropical fruit, and native folk art. The lushness and materiality of Tamayo’s signature canvases readily encourage such an imagining and, as a result, have indelibly marked the artist as a formalist, a painter primarily interested in pure line, form, and color. While he has been contextualized among them, he has been most often considered a discordant counterpoint to Los Tres Grandes, whose ambition was Social Realism, in which aesthetics was wrought by politics. The persistent view of Tamayo as an ardent advocate of formalism, or arte puro (pure art), has impeded a fuller appreciation of the artist as well as his painting. Tamayo aims to offer new readings of this widely recognized and respected, but also controversial painter.
La exposición brinda a los espectadores una ventana a las muchas trayectorias geográficas y creativas que siguen la evolución artística de Tamayo: desde sus primeras pinturas, paisajes impresionistas y retratos picassianos, hasta sus últimas obras: meditaciones sobre su propia mortalidad. Como retrospectiva, Tamayo presenta las contribuciones del artista al modernismo mexicano e internacional, explorando los diversos senderos que recorrió para orientar y negociar con éxito un diálogo estético y una carrera entre México, Estados Unidos y Europa. Al margen de una retrospectiva, Tamayo reexamina la historia del modernismo mexicano a través de pinturas que describen un panorama de expresiones visuales y debates mucho más rico de lo que se entiende habitualmente.
The exhibition provides viewers with a window onto the painter’s many geographic and creative trajectories. It traces Tamayo’s artistic evolution from his earliest paintings—impressionistic landscapes and Picasso-esque portraits—to his last works, meditations on his own mortality. As a retrospective, Tamayo presents the artist’s contributions to Mexican and international modernism by exploring the various paths he traveled to shape the ways in which he successfully negotiated both an aesthetic dialogue and a career between Mexico, the United States, and Europe. Beyond a retrospective, Tamayo revisits the story of Mexican modernism through the artist’s paintings, portraying a much richer panorama of visual expressions and debates than customarily understood.
Las pinturas cuidadosamente seleccionadas están organizadas en una secuencia cronológica aproximada, a fin de enfatizar la interpretación temática. El primer período artístico del pintor (de la década de los veinte a finales de los años treinta) aborda su adopción de los diversos “ismos” del arte europeo moderno y demuestra la forma en que transformó esas fuentes vanguardistas por medio de naturalezas muertas, imágenes de mujeres, desnudos, retratos de niños y familias, así como escenas cotidianas sobre temas indígenas. Estas obras sorprendentes demuestran la forma en que Tamayo se apropió de la imaginería, incorporó estrategias modernistas del collage y la publicidad y, contrariamente a la sabiduría popular, se atrevió a hacer observaciones políticas.
The carefully selected paintings are organized in a loose chronological sequence in order to emphasize thematic interpretation. The early period (1920-the late 1930s) addresses Tamayo’s adoption of the various “isms” of European modern art and proceeds to demonstrate how he transformed these vanguard sources by way of still lifes, images of women, nudes, portraits of children and family, and genre scenes of indigenous subjects. These striking works show how Tamayo appropriated imagery, incorporated modernist strategies of collage and advertising, and, contrary to conventional wisdom, ventured to make political observations.
Hacia 1940, Tamayo había logrado definir la forma de figuración abstracta que lo convirtió en uno de los pintores de mayor renombre del siglo XX. Su periodo de plena madurez (de la década de los cuarenta a mediados de los años sesenta) está representado por una impresionante variedad de obras figurativas: desde reveladores autorretratos hasta espeluznantes fantasmas. Esta sección, la más extensa de la muestra, examina la fusión del modernismo de Tamayo con una serie de temas que confirman la amplitud y profundidad de su pensamiento visual. Los temas de hombre, mujer, naturaleza; hombre y mujer que representan lo universal; lo animal; e híbridos humanos, fueron tratados de esa manera para plantear una gama completa de emociones. El amor y el odio, la alegría y la desesperación, la agresión y la reconciliación, todos estos sentimientos encontraron expresión pictórica en la obra madura del artista que se encuentra en exhibición. La exposición culmina con una selección de sus mejores últimas pinturas. En su obra, aproximadamente a partir de 1968, Tamayo dejó atrás sus intensos y penetrantes cuadros de las décadas de 1940 y 1950. Además de su mensaje de humanismo universal y su capacidad para realizar la proeza de probar que la pintura moderna aún puede captar la atención, este ejemplo demuestra el modo en que Tamayo abordó una realidad que no admite sentimentalismos: la muerte. Estos cuadros no consideran su certitud, sino el proceso de reflexión sobre la vida que se ha vivido y la anticipación de lo por venir. Es conmovedor cómo hacen referencia al sentido de mortalidad del propio artista, al mostrar una creciente debilidad física y, al mismo tiempo, una resistencia rebelde a esa inevitabilidad. “La obra plástica de Tamayo, al igual que su historia personal y profesional, ostenta los sellos distintivos de las aspiraciones y luchas, triunfos y fracasos que definieron a México como una nación moderna”, comenta

By 1940, Tamayo had established the definitive form of abstract figuration that made him one of the most celebrated painters of the twentieth century. His fully mature period (1940-to the mid 1960s) is represented by a dramatic range of figurative works, from telling self-portraits to eerie phantoms. This section, the largest of the show, examines Tamayo’s fusion modernism through a series of themes that confirm the breadth and depth of his visual thinking. The subjects of man; woman; nature; man and woman representing the universal; animal; and human hybrids were all treated in this manner to address a full range of emotion. Love and hate, joy and despair, aggression and reconciliation, all found pictorial expression in the artist’s mature work that is on view. The exhibition culminates with a selection of Tamayo’s best late paintings. In his work from roughly 1968 on, Tamayo left behind his searing and searching pictures of the 1940s and 1950s. Besides their message of universal humanism and their tour-de-force ability to show that modern painting is still capable of arresting the eye, this sampling demonstrates how Tamayo addressed a reality that cannot be sentimentalized: death. These pictures do not treat its actuality but rather the process of reflecting on a life lived and anticipating what is to come. They poignantly speak to the artist’s own sense of mortality, showing an increasing physical weakness but also a defiant resistance to that inevitability. “Tamayo’s painting as well as his personal and professional story have the hallmarks of aspiration and struggle, triumph and failure that defined Mexico as a modern nation,” says Diana C. du Pont, SBMA Curator of Modern & Contemporary Art and the exhibition’s Project Director. “At the heart of the controversies that Tamayo and his painting fueled in his day were the clashes created by the different views of modernism and modernity that he and his art represented. Today, Tamayo’s international perspective and aesthetic approach serve as an example for the contemporary Mexican artist working globally. Thus, in many ways, Tamayo had and continues to have a significant influence, which this exhibition seeks to understand."


Itinerario de la Exposición:
Santa Barbara Museum of Art, Santa Bárbara, Calif., 17 de febrero – 27 de mayo de 2007
Miami Art Museum, Miami, Fla., 21 de junio – 16 de septiembre de 2007
Museo Tamayo Arte Contemporáneo, México, D.F., 26 de octubre de 2007 – 21 de enero de 2008

Exhibition Tour:
Santa Barbara Museum of Art, Santa Barbara, Calif., February 17 – May 27, 2007
Miami Art Museum, Miami, Fla., June 21 – September 16, 2007 Museo Tamayo Arte Contemporáneo, Mexico City, Mexico, October 26, 2007- January 21, 2008

Créditos de la Exposición:
La exposición Tamayo: A Modern Icon Reinterpreted/Tamayo reinterpretado está organizada por el Santa Barbara Museum of Art en colaboración con el Consejo Nacional para la Cultura y las Artes, a través del Instituto Nacional de Bellas Artes y el Museo Tamayo Arte Contemporáneo, México, y la Fundación Olga y Rufino Tamayo, A.C. El trabajo curatorial está a cargo de Diana C. du Pont, curadora de arte moderno y contemporáneo, Santa Barbara Museum of Art, con la participación de Juan Carlos Pereda, curador del Museo Tamayo Arte Contemporáneo. La exposición y catálogo respectivo se han hecho posibles gracias al generoso patrocinio de las siguientes personas e instituciones: Larry y Astrid Hammett, Houston y Anne Harte, Jon B. y Lillian Lovelace, Eli y Leatrice Luria, Lady Leslie Ridley-Tree, The Challenge Fund, The Cheeryble Foundation, The Grace Jones Richardson Trust, the National Endowment for the Arts, y un donante anónimo.

Credit Line:
Tamayo: A Modern Icon Reinterpreted is organized by the Santa Barbara Museum of Art in collaboration with the Consejo Nacional para la Cultura y las Artes, through the Instituto Nacional de Bellas Artes and the Museo Tamayo Arte Contemporáneo, Mexico, and the Fundación Olga y Rufino Tamayo, AC. It is curated by Diana C. du Pont, Curator of Modern & Contemporary Art, Santa Barbara Museum of Art, with Juan Carlos Pereda, Curator of the Museo Tamayo Arte Contemporáneo.

Sobre el Museo:
El Santa Barbara Museum of Art, fundado en 1941, está financiado con fondos privados. Es una institución sin fines de lucro, con colecciones y exposiciones reconocidas internacionalmente, y una amplia selección de actividades culturales y educativas, al igual que oportunidades para viajar alrededor del mundo. El museo dedica un esfuerzo especial a las cuatro áreas principales de sus colecciones de arte moderno y contemporáneo: arte de Estados Unidos, California, Europa y América Latina. El Santa Barbara Museum of Art se encuentra ubicado en 1130 State Street, Santa Bárbara, California. Abierto de martes a domingo de 11 a.m. a 5 p.m. Visitas diarias guiadas por especialistas a exposiciones especiales, a las 12 del mediodía; y a la colección permanente, a la 1 p.m. Entrada general: $9; $6 para personas mayores, estudiantes con identificación y niños y jóvenes entre 6 y 17 años de edad; gratuita para los miembros del museo. Entrada gratuita los domingos. Más información para el público al (805) 963-4364 o en www.sbma.net.

About the Museum:
The Santa Barbara Museum of Art, founded in 1941 is a privately funded, not-for-profit institution with internationally recognized collections and exhibitions and a broad array of cultural and educational activities as well as travel opportunities around the world. The Museum dedicates special effort to four main collecting areas in modern and contemporary art – United States art, California art, European art and Latin American art. The Santa Barbara Museum of Art is located at 1130 State Street, Santa Barbara, California. It is open Tuesday through Sunday 11 a.m. to 5 p.m. Docent-led tours of special exhibitions are held daily at noon; docent tours of the permanent collection are offered daily at 1 p.m. General admission is $9, $6 for seniors, students with ID and children ages 6-17 and free to Museum members. Admission is free on Sundays. For more information the public may call (805) 963-4364 or visit
www.sbma.net.

The exhibition and accompanying publication have been made possible through the generous support of Larry and Astrid Hammett, Houston and Anne Harte, Jon B. and Lillian Lovelace, Eli and Leatrice Luria, Lady Leslie Ridley-Tree, The Challenge Fund, The Cheeryble Foundation, The Grace Jones Richardson Trust, the National Endowment for the Arts, an indemnity from the Federal Council on the Arts and the Humanities, and an anonymous donor.

 

ENTREVISTA AL MAESTRO

Efraín Morales Sánchez

 

Es capaz de recrear mundos irreales  habitados por seres fantásticos humanizados que parecen danzar a la vida cópulas eternas.

He is able to recreate unreal worlds inhabited by fantastic beings humanized whom seem to dance to the life eternal eroticism.

 Silvia Siga

Septiembre 9, 1997.                                                                                          

                                                                                                                                          

Generando en su pintura  la magia de lo místico y manifestando la esencia de la vida en la recreación emocional del hombre con la fuerza del tiempo.

In his paintings, he generates the magic of the mystic and the essence of life with an emotional recreation of man being forced through the vortex of time.

Plasma su abstracción con una iconografía de animales hombres, con colores tierra y en esta dualidad refleja la pureza del ser humano; se conjugan líneas onduladas llenas de erotismo en el círculo de la universalidad del hombre.

He shapes his abstracts with animals that have the distinct elements of men, colors of the earth, and each with a duality that reflects the purity of the human being. Each line is painted with endless waves of eroticism all which spiral towards the apex of universality.

Nace en Aldama Chalcatongo, Tlaxiaco, Oaxaca.  Sus estudios como artista los realizó en el Taller de Artes Plásticas "Rufino Tamayo".  Su incursión en el terreno de la pintura lo ha llevado a presentar atravez de diversas exposiciones a partir de 1986.   En las Artes Plásticas ha desarrollado distintas técnicas: tinta, óleo, grabado, agua fuerte, barniz blando, punta seca, gouache, acrílico, pastel, temple, cerámica, entre otras.

 Efraín Morales Sánchez was born in Aldama Chalcatongo, Tlaxiaco , Oaxaca . He studied art at the studio of Taller de Artes Plásticas "Rufino Tamayo." Efrain's journey into the realm of painting began in 1986. Over these years and up to today, he has developed different techniques with his paintings by the use of: dies, oils, engravings, water colors, soft varnish, air brush, gouache, acrylic, pastels, temple, and ceramics - just to mention a few.

Participando en muestras locales, nacionales e internacionales, en exposiciones individuales y colectivas a lado de los maestros: Rufino Tamayo, Francisco Toledo, Rodolfo Morales, Juan Alcázar, entre otros pintores Oaxaqueños y nacionales e internacionales; además de tener obra permanente en el Museo de Arte Contemporáneo de la UNAM y recibir reconocimientos por su partición altruista a favor de causas humanitarias.

He has also participated in local, national and international art shows; his work along side of such famous Oaxaqueño modern day painters as: Rufino Tamayo, Francisco Toledo, Rodolfo Morales, and Juan Alcazar. He also has his work at the Museum of Art Contemporary of the UNAM and has received special recognition for his altruistic participation in humanitarian causes.

¿MAESTRO EN DONDE NACIO Y CUAL ES SU ORIGEN?

Nací entre el rió con frondosos tules y la montaña rodeada de canales de agua y el perfume de los frondosos ocotes,  el día de Santa Cita según el calendario de Galván el 27 de abril de 1962 a las 15 hrs., es una comunidad sublime por los olores de la naturaleza donde se mezcla la magia y la realidad de nuestra  gente en el color de la tierra con  sus monumentos prehispánicos deteriorados.

MAESTRO, WHERE WERE YOU BORN AND WHAT IS YOUR ORIGEN?

I was born between the river with its leafy tule trees, mountains encapsulated by channels of fresh water, and air robust with perfume of the torch pine. According to the ancient Galván Calendar, on the 27 th of April 1962, at 3:00 in the afternoon, I was born from a community sublime for its aroma of nature; a place where the mix and composition of its people are colored with the Earth from their deteriorated pre-Hispanic monuments.

 

La agencia municipal de  Aldama perteneciente al municipio de Chalcatongo de Hidalgo, del distrito de Tlaxiaco, en la región de la Mixteca alta en el estado de Oaxaca es el lugar de mi nacimiento.

The little town of Aldama is part of the municipality of Chalcatongo de Hidalgo , in the District of Tlaxiaco, located in the region of the high Mixteca Mountains in the State of Oaxaca for this was the place of my birth.

Traduccion por: Jeffrey Brown

REGRESAR

Homenaje a los Muralistas de Los Angeles

Las opiniones o participaciones en esta página no reflejan la opinión general de SOaxaqueñoCAL.

The opinions expressed on this web page do not reflect those of SOaxaqueñoCAL.

REGRESAR

Copyright © 2007 SoaxaqueñoCal. All rights reserved. Site created and maintained by Pea Borba, Eloy Morales and Jeffrey Brown. 

RECONOCIMIENTOS-PREMIOS ENTREVISTAS